fotógrafo estadounidense. (1864-1946). 

 

Alfred Stieglitz fue el mayor defensor de la fotografía como forma de arte del siglo XX. Editor de Camera Notes, la revista del Camera Club of New York, Stieglitz pronto se convirtió en líder del movimiento pictorialista en New York, cofundador de Photo-Secession en 1902 y editor de la magistral revista Camera Work de 1903, hasta 1917.

 

Alfred Stieglitz, 1907, Autorretrato en Autocromo.

 

Con la ayuda de Edward Steichen, sus pequeñas galerías de la foto-secesión, más tarde llamadas 291, luego The Intimate Gallery (1925-1929) y An American Place (1929-1946) mostraron por primera vez en Estados Unidos el nuevo arte moderno de Europa de Picasso, Matisse, Braque, Cézanne, Brancusi y Rodin y presentó a los pintores estadounidenses O’Keeffe, Marin, Hartley y Dove.

Su galería expuso pintura con fotografía y mostró a los fotógrafos Clarence White, Alvin Langdon Coburn, Paul Strand, Edward Steichen, Ansel Adams y Eliot Furness Porter.

 

 

Sus muy apreciadas imágenes tomadas con una cámara portátil de las calles de la ciudad de New York, los retratos de su esposa, la pintora Georgia O’Keeffe, y sus series «Equivalents» de estudios de nubes que eran análogos a la experiencia emocional, ayudaron a hacer realidad la profunda posibilidades metafóricas del medio.

Bibliografía: NEFF.

 

Alfred Stieglitz estudio ingeniería y fotografía en Berlín, siendo alumno de Hermann Wilhelm Vogel. Introdujo los negocios de fotograbados en América y llegó a ser el fundador de un nuevo aspecto artístico de la fotografía.

Utilizó cámara de mano e instantáneas imprevistas y defendió la fotografía directa y las diapositivas.

 

Alfred Stieglitz fundó la Photo-Secession en 1902.

 

Expuso sus ideas sobre fotografía como redactor de Camera Notes y Camera Work. Recibió la Medalla del Progreso de la Royal Photographic Society en 1942.

 

Puedes ver sus fotografías en Instagram como @alfred_stieglitz_fotografo

Bibliografía: EFF.

 

Fotógrafo estadounidense, creador y editor de Camera Notes y fundador de la 291 Gallery.

 

Alfred Stieglitz es recordado por su notable trabajo fotográfico, su participación en el movimiento fotográfico secesionista y su participación fundamental en el fomento de un estudio académico de la fotografía en Estados Unidos.

Su trabajo dio grandes pasos para promover lo simbólico en el arte estadounidense y elevar la posición del fotógrafo a la de artista plástico, en contraposición a la de un hábil artesano que es técnicamente competente.

 

La terminal, 1893, Alfred Stieglitz.

 

Vida Familiar.

 

Stieglitz, el primer hijo de cuatro hijos, incluidos dos gemelos varones, nació en Hoboken, Nueva Jersey, el 1 de enero de 1864, de padres judíos trabajadores. La madre de Alfred, Ann Werner, que se mudó a los Estados Unidos en 1852 y se casó con Edward Stieglitz, el padre de Alfred, el 21 de diciembre de 1862, era una mujer educada y aficionada a la literatura y las artes. El padre de Alfred se propuso no mezclar la vida hogareña con la vida empresarial; prefería tener en casa discusiones sobre arte. Como resultado, Alfred disfrutó de un ambiente hogareño lleno de conversaciones sobre literatura y artes, así como de encuentros con figuras artísticas y literarias reconocidas.

Alfred creció junto a los Elysian Fields en Central Park, hogar de la invención del béisbol moderno e inspiración para su amor por el juego durante toda su vida.

 

Fotografiarse a sí mismo.

 

Stieglitz se identificó con su tema, una noción que se remonta a su experiencia infantil de llevar comida a un organillero porque Stieglitz se identificaba con el organillero. Durante la década de 1870, Alfred ahorró dinero y le llevó un sándwich a un organillero italiano y su mono, que jugaban afuera de la casa de Stieglitz todos los sábados. Años más tarde, Stieglitz le confesó a su madre que “yo era el organillero”.

Stieglitz afirmaba a menudo que cada vez que tomaba una fotografía se estaba fotografiando a sí mismo -independientemente del sujeto aparente-, de modo que todas sus fotografías eran, en efecto, autorretratos que transmitían representaciones simbólicas de él y de sus sentimientos. Alfred cultivaría intensos celos hacia los gemelos.

 

Fotografía directa.

 

Durante buena parte del inicio de su carrera, Stieglitz creyó en lo que se llama “fotografía directa”, en contraposición a los efectos visuales inusuales logrados, entre otros medios, mediante la manipulación de negativos y productos químicos. Más tarde, esto resultó aparentemente irónico, ya que Stieglitz se convirtió en alguien que dependía en gran medida de la manipulación de imágenes fotográficas. Sin embargo, en el corazón de sus creaciones fotográficas, Stieglitz nunca dudó en atenerse a las cualidades fundamentales de la emulsión, la lente y la cámara. A lo largo de su carrera, Stieglitz fotografió principalmente al aire libre.

 

New York.

 

Lake George, cerca de Finger Lakes en el norte del estado de New York, era el lugar favorito de Stieglitz y su familia, donde a menudo pasaban los veranos, y también el lugar de muchas de sus imágenes fotográficas.

 

Winter on Fifth Avenue, 1893, Alfred Stieglitz.

 

La ciudad de New York fue un foco igualmente importante del trabajo de Stieglitz. Obras como “Winter on Fifth Avenue” (Invierno en la Quinta Avenida), alternativamente denominada “Fifth Avenue, Winter” (Quinta Avenida, Invierno) y “Spring Showers” (Lluvias de primavera) capturaron el ambiente atmosférico del centro de la ciudad de una manera que los medios anteriores no habían logrado.

 

Sprin Showers, 1899, Alfred Stieglitz.

 

Otras obras, como “Spiritual America”, que representa un caballo castrado, capturaron el vacío espiritual creado por el comercialismo estadounidense moderno y manifestado en una crisis de la masculinidad estadounidense.

La obra de Stieglitz, “The Steerage” (1907), por otro lado, trató alternativamente de formas geométricas construidas en planos espaciales dentro de un marco fotográfico y cuestiones de clases sociales y diferencias de género.

 

The Steerage, 1907, Alfred Stieglitz.

 

En 1905, Alfred Stieglitz estableció la famosa galería 291, llamada así por su ubicación en 291 Fifth Avenue en la ciudad de New York.

 

La galería fue diseñada para ser un lugar para la exhibición de fotografía como arte en Estados Unidos. Sin embargo, poco después de su apertura, la galería amplió su alcance para incluir las obras del movimiento francés moderno e introdujo en los Estados Unidos las obras de Cézanne, Picasso, Braque, Brancusi y muchos otros. También dio a conocer el trabajo de artistas estadounidenses como John Marin, Charles Demuth, Max Weber y Geogia O’Keeffe, con quien Stieglitz se casó en 1924.

Stieglitz pasó libremente de estas obras a sus fotografías de la pintora Georgia O’Keeffe. Las fotografías de desnudos que Stieglitz compuso con las manos, la cara, el pecho y el cuerpo de O’Keeffe fueron el contenido de una exposición individual en su galería 291.

 

Georgia O’Keeffe, Torso, 1918, Alfred Stieglitz.

 

Con la demolición del edificio que ocupaban la galería 291, la Foto-Secesión terminó en 1917. Sin embargo, la mayoría de sus miembros ya habían abandonado efectivamente el grupo, ya sea como resultado de conflictos personales con Stieglitz o por nuevas ideas sobre hacia dónde debía dirigirse el movimiento.

Stieglitz, que nunca tolero una aparente imperfección en su pasado, mantuvo una pasión casi obsesiva por su trabajo fotográfico, intentó destruir todo el material que produjo para Camera Work. Sin embargo, después de que Stieglitz se comunicara con el director del Museo Metropolitano de Arte, el MET decidió recopilar todas las obras restantes de Stieglitz de la era Camera Work. Esta colección luego se incorporaría a una biblioteca separada dentro del MET.

 

Retocar retratos había sido común en la era del colodión, pero después de 1917, los nuevos críticos de arte pedían una “fotografía pura”.

 

La fotografía pura llegó a referenciarse al deseo de los críticos de arte, de un arte que dependiera del ojo, el instinto, el conocimiento de la composición y el buen gusto inherente del fotógrafo, en lugar de efectos especiales como el retoque.

Si bien el retoque era un procedimiento necesario para la mayoría de las imágenes de daguerrotipo porque eran frágiles, no era un requisito para la fotografía moderna que ahora podía producirse en papeles resistentes y podía soportar un manejo menos cauteloso.

 

Alfred Stieglitz buscó producir un arte libre de las presiones del comercialismo desenfrenado.

 

Sintió que, a diferencia de la era de Walt Whitman, la época actual presentaba un mundo donde la publicidad y los comerciales ocupaban el lugar de la imaginación estadounidense.

 

Alfred Stieglitz a lo largo de su vida, intentó difundir la idea de que el arte no es una propiedad y debe ser accesible a todos.

 

En 1922, Stieglitz inició una serie de fotografías abstractas titulada «Equivalents«, u obras abstractas compuestas principalmente de nubes, atmósfera y luz, en las que las formaciones de nubes crean diversos estados de ánimo y texturas. Se refirió a ellos como su intento de:

“dejar de lado mi filosofía de vida, de mostrar que las fotografías no se debían al tema” (Newhall, 171).

Stieglitz siempre vio estas fotografías como un reflejo de sí mismo de alguna manera.

El círculo de Stieglitz, un grupo de artistas que habían expuesto en 291 antes de la demolición de la galería, combinó la noción whitmaniana de la naturaleza como unificadora y saludable con una filosofía estética tomada del socialismo de William Morris y el movimiento Arts and Crafts.

La determinación de Stieglitz de lograr que la fotografía artística de alta calidad llegue a una audiencia internacional quedó demostrada en su correspondencia con Lewis Mumford, el editor de la revista de arte internacional con una inclinación socialista, The Dial. Stieglitz deseaba que se incluyeran fotografías en The Dial y que las fotografías bien producidas llegaran a una audiencia internacional.

Desde 1917 hasta aproximadamente 1925, Stiegliz produjo algunas de sus obras más conocidas, incluidos los extraordinarios retratos de O’Keeffe, los estudios de New York y los «Equivalents«, o grandes series de nubes. Desde 1925 hasta 1930, dirigió la Intimate Gallery (1925-1930) y An American Place (1930-1946), que buscaban promover el avance conceptual obtenido por las exposiciones que tuvieron lugar con las fotografías secesionistas con 291.

Bibliografía: NCP.

 

Stieglitz intercaló deliberadamente exposiciones de lo que sabía que sería arte controvertido, como los dibujos sexualmente explícitos de Rodin, con lo que Steichen llamó «arte comprensible» y con fotografías. La intención era «establecer un diálogo que permitiera a 291 visitantes ver, discutir y reflexionar sobre las diferencias y similitudes entre artistas de todos los rangos y tipos: entre pintores, dibujantes, escultores y fotógrafos; entre artistas europeos y americanos; entre artistas mayores o Figuras más establecidas y practicantes más jóvenes y nuevos»…Durante este mismo período, el Club Nacional de las Artes montó una «Exposición especial de arte contemporáneo» que incluía fotografías de Stieglitz, Steichen, Käsebier y White junto con pinturas de Mary Cassatt , William Glackens , Robert Henri , James McNeill Whistler y otros. Se cree que esta fue la primera exposición importante en los EE. UU. en la que los fotógrafos recibieron la misma clasificación que los pintores. (Sarah Greenough (2002).Alfred Stieglitz: el juego de llaves. New York: Abrams. págs. xi-xlix, 31, 558).

 

Alfred Stieglitz es una de las figuras clave de la fotografía del siglo XX y del desarrollo del arte moderno en Estados Unidos.

 

Un hombre que desempeñaba varias funciones (fotógrafo, editor, galerista, ensayista) se dedicó a todas estas actividades con la misma pasión y éxito.

 

Stieglitz fue una figura clave en la difusión de las ideas que surgieron en las vanguardias francesa y estadounidense de principios del siglo XIX, comenzando con el pictorialismo.

 

Fue el pictorialista estadounidense más famoso y lideró un movimiento que contribuyó en gran medida al desarrollo de la fotografía y su aceptación como arte. También fue la figura clave que se alejó del pictorialismo cuando éste se agotó a finales de la década de 1920, aceptando las ideas revolucionarias modernas que surgieron de Europa en la década de 1920, tanto como artista como como empresario.

Alfred Stieglitz nació en Hoboken, Nueva Jersey en 1864. Era el mayor de seis hijos de una familia judía alemana de medios económicos y asistió a escuelas en New York.

En 1881, fue enviado al extranjero para completar su educación y comenzó un curso de formación en Berlín para convertirse en ingeniero.

 

Venetian Canal, 1894, Alfred Stieglitz.

 

Después de realizar un curso de fotoquímica impartido por el eminente científico Hermann Wilhelm Vogel en 1883, Stieglitz quedó fascinado por la fotografía. A los 19 años tomó sus primeras fotografías. En 1887 recibió un premio, el primero de cientos, por la fotografía «A Good Jake«, tomada de su serie sobre agricultores italianos. En aquella época Stieglitz participaba en numerosos concursos y escribía numerosos artículos sobre fotografía.

 

Alfred Stieglitz, El último chiste, Bellagio , 1887.

 

Después de casi diez años en Europa, Stieglitz regresó a New York en 1890 para convertirse en socio de Photochrome Recording Company. Fue admitido en la Sociedad de Fotógrafos Aficionados y pronto escribió artículos para su publicación.

 

La revista Cosmopolitan dedicó un artículo a la obra de Alfred Stieglitz en 1891.

 

Fue adquiriendo fama y adoptó un carácter acorde con su papel de destacado artista e intelectual. Su matrimonio con Emmeline Obermeyer en 1894 le proporcionó ingresos suficientes para dedicarse a tiempo completo a sus proyectos artísticos, que incluían una creciente implicación en el pictorialismo, la principal estética fotográfica de la época.

 

Alfred Stieglitz, fue elegido miembro del prestigioso club inglés de pictorialistas, el Linked Ring, en 1894.

 

En 1896, Stieglitz jugó un papel decisivo en la creación del Camera Club de New York a partir de la Sociedad de Fotógrafos Aficionados, y se desempeñó como editor de su revista Camera Notes.

Esta revista bien producida, con la participaron George H. Seeley, Edward Steichen y Clarence White,  fue fundamental en la difusión de la fotografía a un público más amplio con sus lujosos fotograbados supervisados ​​por el propio Stieglitz. En esta época, Stieglitz también publicó portafolios como Picturesque Bits of New York (1897).

En 1899, la obra de Stieglitz apareció en su primera exposición monográfica en el Camera Club of New York. Esta creciente notoriedad atrajo a su alrededor a los principales fotógrafos aficionados y profesionales de la época, y en 1902 Stieglitz encabezó la Foto-Secesión nombrada y modelada a partir de grupos de vanguardia que se habían formado anteriormente en Viena y Munich.

En 1903 se publicó el primer número del órgano de la Foto-Secesión, Camera Work. Esta prestigiosa revista produjo 50 números a lo largo de 14 años de publicación.

 

En 1905, Stieglitz abrió una galería en el número 291 de la Quinta Avenida, que pasó a ser conocida como las Little Galleries de la Photo-Secession o Gallery 291.

 

Ya en 1907, junto con su colega Steichen, que entonces vivía en Europa y servía como agente de Stieglitz en el continente, Stieglitz organizó exposiciones de los futuros grandes nombres de la pintura y la escultura modernas, entre ellos Henri Matisse, Francis Picabia, Pablo Picasso, Constantin Brancusi y Auguste Rodin. También mostró escultura africana en una exposición titulada The Picasso-Braque-African Carving Exhibition en 291 en 1915.

Stieglitz también continuó su carrera fotográfica. Aunque el ideal de la Photo-Secession era crear un nuevo lenguaje fotográfico en el que la fotografía fuera recibida como un arte igual a la pintura y la escultura, los pictorialistas buscaron esta igualdad imitando la pintura. Las imágenes fotográficas fueron altamente manipuladas, tanto en los negativos de placas de vidrio como cuando se imprimieron, principalmente como copias de goma bicromada. Stieglitz, sin embargo, comenzó a desarrollar su propia forma de pictorialismo, rechazando finalmente el retoque y otras formas de manipulación. En su modalidad pictórica, Stieglitz se centró en motivos como la lluvia o la nieve (Winter Fifth Avenue, 1893; The Terminal, 1893), afirmando que la mirada personal del fotógrafo debe prevalecer sobre las cuestiones técnicas.

Entre 1902 y 1907, Stieglitz modificó radicalmente su estilo fotográfico. Se centró en New York como un paisaje urbano cambiante, como se muestra en las imágenes The City of Ambition de 1902 y Old and New New York de 1910.

 

Old and New New York, 1910, Alfred Stieglitz.

 

Cuando Stieglitz apuntó su cámara a sujetos que en ese momento consideraba marginales tanto en términos de estética pictorialista como (que tendía a centrarse en temas domésticos y de clase media) y entre aquellos de gusto culto, demostró ser un brillante innovador.

El ejemplo más conocido de este período de su obra es sin duda The Steerage of 1907. Esta fotografía de los inmigrantes más pobres llegando al puerto de New York a bordo de un gran barco revela un meticuloso sentido de la geometría y el encuadre.

Realizó una serie de fotografías tomadas de noche que relatan el entorno y los edificios del barrio de la galería 291 (Snapshot from my Window, New York, 1902), y recurrió cada vez más a un nuevo enfoque, que pasó a llamarse Fotografía Directa.

Esta dirección se ve confirmada por su reconocimiento a Paul Strand. El paso de Stieglitz a este ámbito fotográfico más moderno tal vez quedó sellado por su exposición de la famosa «Fountain» de Marcel Duchamp (un urinario estándar) rechazada en una «cause du celebre» del ahora legendario Armory Show de 1917, en la Galería 291, y sus fotografías de ello a petición de Duchamp.

 

Con la Fuente de Marcel Duchamp de 1917, Alfred Stieglitz creó una fotografía sensual y muy abstracta que confirió a este objeto común el estatus de obra de arte.

 

También fue en 1917 cuando Stieglitz conoció a la pintora Georgia O’Keeffe, que se convertiría en su modelo y esposa.

Su intensa relación emocional es evidente en las numerosas fotografías que tiene de ella. En desnudos, retratos y estudios de sus elegantes manos (Georgia O’Keeffe, Hands of 1918), Stieglitz capturó la vitalidad del modernismo.

 

Georgia O’Keeffe, Hands, 1918, Alfred Stieglitz.

 

En Georgia O’Keeffe, A Portrait of 1933, su mano y su esbelto antebrazo parecen ser parte de la curvatura del neumático de un automóvil, estableciendo un sutil juego de correspondencias entre el ser mecánico y el ser humano.

Los cuadros de O’Keeffe que hizo Stieglitz, realizados entre 1917 y 1933, también pueden leerse como un eco de sus pinturas y dibujos.

En muchas de estas obras utiliza el semiprimer plano y el primer plano, estableciendo una metáfora de tres niveles distintos de lectura: sobre el fragmento de cuerpo y el cuerpo entero, sobre el uso de la fragmentación como práctica fotográfica, y en las obras de su pintor-modelo.

En 1922, Stieglitz comenzó a trabajar en lo que se convertiría en una de las series de fotografías conceptualmente más influyentes del siglo XX. Empezó a centrarse en una fotografía más poética adoptando un único tema: el cielo. Llamó a su primera serie Música: una secuencia de fotografías de diez nubes. Las imágenes posteriores se reagrupan bajo el título Songs of the Sky. A partir de 1923, encuadró formaciones de nubes, eliminando todos los elementos del paisaje que pudieran orientar al espectador, creando variaciones fotográficas sobre el tema y dando origen a la serie «Equivalents».

 

Con el cierre de la Galería 291 y el último número de la revista Camera Work en 1917, Alfred Stieglitz se retiró de la organización de exposiciones durante cuatro años.

 

Sin embargo, su pasión por el arte moderno lo llevó a montar exposiciones en las Anderson Galleries de 1921 a 1925, en la Intimate Gallery entre 1925 y 1929 y luego en An American Place desde 1929 hasta su muerte.

Este espacio en su mayor parte no mostró fotografía; más bien, sirvió como escaparate del grupo «Six plus X» compuesto por los pintores modernistas estadounidenses John Marin, Marsden Hartley, Arthur Dove, Paul Strand, Georgia O’Keeffe, él mismo y otro artista (el X).

Durante este período, Stieglitz fotografió en su casa de verano en Lake George, New York, y se centró en los paisajes, particularmente en los árboles del parque de su residencia y su evolución con el paso de las estaciones.

 

Autorretrato, 1886, Alfred Stieglitz.

 

Obligado por problemas de salud a abandonar la fotografía en 1937, y ahora considerado la figura maestra y anciana de la fotografía estadounidense, Stieglitz fue buscado por numerosos fotógrafos más jóvenes en busca de consejos y oportunidades, incluido Ansel Adams.

Sin embargo, durante su última década, sólo apoyó el trabajo de Adams y del fotógrafo de naturaleza Eliot Porter en An American Place.

Stieglitz murió en la ciudad de New York en 1946.

Se pueden encontrar importantes colecciones de obras de Stieglitz en el Instituto de Arte de Chicago; la Galería Nacional, Washington, DC; el Museo J. Paul Getty, Los Ángeles; el Museo Metropolitano de Arte de New York; y el Museo de Arte Moderno de New York.

Bibliografía: ETC.

 

Exhibiciones individuales.

 

• 1899 Retrospective; Camera Club; New York, New York 1913 Retrospective; Gallery 291; New York, New York 1923 Alfred Stieglitz; Anderson Galleries; New York, New York.
• 1929 Alfred Stieglitz; Metropolitan Museum of Art; New York, New York.
• 1932 Alfred Stieglitz; An American Place; New York, New York.
• 1935 Alfred Stieglitz; Museum of Art; Cleveland, Ohio 1944 Alfred Stieglitz 291 and After; Museum of Art; Philadelphia, Pennsylvania.
• 1949 The Alfred Stieglitz Collection; Fisk University; Nashville, Tennessee.
• 1955 Stieglitz and O’Keeffe: Portraits of Each Other; Limelight Gallery; New York, New York.
• 1958 The Stieglitz Circle; National Gallery of Art, Smithsonian Institution; Washington, D.C.
• 1965 Alfred Stieglitz; Museum of Fine Arts; Boston, Massachusetts.
• 1971 Alfred Stieglitz: The Camera Work Years; Art Institute of Chicago; Chicago, Illinois.
• 1976 The 291 Years 1912–1917: Walkowitz and Stieglitz; Zabriskie Gallery; New York, New York.
• 1978 Stieglitz and the Photo-Secession; New Jersey State Museum; Trenton, New Jersey.
• Georgia O’Keeffe by Alfred Stieglitz; Metropolitan Museum of Art; New York, New York.
• 1992 Two Lives. O’Keeffe & Alfred Stieglitz; Phillips Collection; Washington, D.C.
• 1995 Alfred Stiegliz: Seen and Unseen; J. Paul Getty Museum; Los Angeles, California.

 

 

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