abstraction
Las discusiones sobre la abstracción en la fotografía pueden parecer una paradoja, ya que uno está acostumbrado a su función de reproducción mecánica y de su representación descriptiva.
Sin embargo, el hecho de que una fotografía sea difícil de reconocer o apenas legible no es incompatible con su definición técnica: una impresión luminosa sobre una superficie fotosensible.
Cualquiera que sea su naturaleza, la imagen fotográfica siempre sigue siendo una imagen o representación de algo, incluso si el fotógrafo utiliza varios procesos para hacer que el espectador olvide de qué es una representación la imagen.
Desde su descubrimiento en 1839, la fotografía ha tenido muchos usos documentales, produciendo imágenes basadas en los códigos de representación de la visión humana (verism, verismo). Sin embargo, desde principios del siglo XX, muchos fotógrafos han buscado trascender este uso experimentando y desarrollando una práctica abstracta de la fotografía.
Orígenes de la abstracción.
Historia.
La historia de la fotografía a menudo converge con la del Modernismo a finales del siglo XIX y principios del XX, tanto cronológica como intelectualmente. La historia de la fotografía estuvo marcada en particular por la idea de la especificidad y la creciente autonomía del medio: la lógica interna, los principios y la evolución del medio.
Las primeras pinturas abstractas surgieron alrededor de 1910 por Vasily Kandinsky, Kasimir Malevich y otros; los historiadores observaron casi al mismo tiempo el surgimiento de preocupaciones similares entre los fotógrafos.
Ya en los comienzos de la fotografía, desde los »dibujos fotogénicos» de William Henry Fox Talbot en la década de 1830 hasta los estudios de movimiento de Thomas Eakins y Etienne-Jules Marey (lo que él denominó cronofotografía) en 1880, uno encuentra imágenes que podrían calificarse de abstractas, aunque sirven para y fines técnicos por encima de los fines estéticos.
La Abstracción en la fotografía.
Es solo en 1908 que el germen de los procesos formalistas y estilizados indicativos de la modernidad surgió en Gran Bretaña con The Doorstep or The Wheel de Malcolm Arbuthnot; estas obras revelaron su interés por el arte japonés con énfasis en la composición, la estructura, la asimetría, la línea, la distribución de luces y sombras.
Después de Arbuthnot, la aparición de la fotografía deliberadamente abstracta se produce a mediados de la década de 1910 en Estados Unidos con Porch Shadows o The Bowls de Paul Stand en 1915, imágenes en las que jugaba con las formas y las masas, la composición y el encuadre cerrado. Ya tres años antes, Alvin Langdon Coburn realizó una obra similar con su serie New York From Its Pinnacles, y en particular, The Octopus, en la que una vista de pájaro aplanaba la perspectiva y generaba un patrón bidimensional. Strand esperaría hasta su encuentro con Ezra Pound y el movimiento Vorticismo, inspirado por las complejidades de la industrialización y la urbanidad, para realizar entre 1916 y 1917 su conocida serie Vortographs. Estos trabajos revelaron su interés por la difracción cubista del espacio, y la obsesión del futurismo italiano por el dinamismo y el movimiento.
Evolución de la abstracción.
La tendencia a la abstracción en la forma de los fotógrafos mencionados ilustra lo que siguió y perduró a lo largo del siglo XX, es decir, la coexistencia de dos visiones paralelas entre los fotógrafos modernistas americanos y europeos. Estas visiones incluían, por un lado, la herencia de la estética fotográfica “pura” o “directa” lanzada por fotógrafos estadounidenses como Alfred Stieglitz, Aaron Siskind y otros; y por otro lado, una estética experimental derivada directamente del vanguardismo europeo de László Moholy-Nagy, Alexander Rodchenko y otros.
Fotografía directa.
La fotografía directa (straight photography) buscó captar una realidad objetiva hecha de objetos cotidianos que normalmente escapan al ojo humano. Sin ninguna manipulación y al enfatizar procesos puramente fotográficos como el encuadre, la iluminación, el enfoque, la escala o el punto de vista, las imágenes resultantes explotaron el formalismo puro de patrones, geometría y diseño aplanados y bidimensionales.
Esta tendencia quedó bien ilustrada en Estados Unidos con Bernard Shea Horne, Max Weber (no confundir con el sociólogo) y sus estudiantes de la Escuela de Fotografía Clarence H. White en la década de 1910, en House Of Doylestown, Staircase (1917) de Charles Sheeler, en la serie Equivalents de Stieglitz en 1923-1931, y en el trabajo posterior de Siskind de las décadas de 1930 y 1940.
Una corriente relacionada con la fotografía directa de los americanistas se materializó con la Nueva Visión (Neue Sehen) en Alemania y Rusia, cuyos representantes destacados fueron Moholy-Nagy (From the Radio Tower Berlin, 1928) y Rodschenko (On The Pavement, 1928).
Aún más experimental o estéticamente radical que el trabajo de los fotógrafos directos antes mencionados, fue otra corriente de abstracción que consideró la fotografía como un medio ideal de expresión plástica para construir y crear nuevos códigos visuales. Usando una diversidad de prácticas como el fotograma, la manipulación de la luz, el movimiento y la química, los fotógrafos europeos realizaron una serie de características recurrentes que se asociaron con la abstracción moderna. Debido a que el fotograma se produjo sin cámara, el artista podía crear imágenes a partir de sombras y siluetas de objetos que se colocaban entre la fuente de luz y el papel o la película sensibles a la luz, evitando así el aparato mecánico o técnico en favor de la imaginación. e incluso el surrealismo.
El fotograma como técnica de Abstracción.
En los orígenes de numerosas manipulaciones abstractas, el fotograma se convirtió en una de las técnicas más perdurables del siglo, encontrando practicantes en Christian Schad ya en 1918, Man Ray en 1921 y Moholy-Nagy en 1922.
Ejemplificando Preocupaciones dadaístas y constructivistas, los procesos de fotogramas permitieron la exploración de la naturaleza profunda de la fotografía al explotar el juego de la textura, el patrón, la transparencia y la dualidad de las relaciones positivo-negativo. El proceso permitió muchas posibilidades como la experimentación con la desmaterialización, la interpenetración de formas, la distorsión y la falta de perspectiva.
Varios artistas como Theodore Roszak (no confundir con el novelista), Georg Zimin, Piet Zwart y Willy Zielke realizaron fotogramas en la década de 1930; Bronislaw Schlabs, Julien Coulommier, Andrzej Pawlowski, Beksinki y Kurt Wendlandt en las décadas de 1940 y 1950; Lina Kolarova, René Mächler y Andreas Mulas en la década de 1970; Tomy Ceballos, Kare Magnole, Andreas Muller-Pohle y Floris M. Neusüss han utilizado el proceso en la década de 1980.
Uso de la luz en abstracción.
Igualmente importante entre las prácticas abstractas, el uso de la luz sigue siendo un principio fundamental con la función no sólo de revelar y hacer visible, sino también de ser explotada como un material real. En este sentido, se pueden rastrear varias trayectorias, incluidas las imágenes de superficies o volúmenes iluminados en Light Abstractions (1919) de Francis Bruguière y Light Abstraction, Rectangles de Jaromir Funke en la década de 1920.
Máquinas moduladoras de luz.
Entre las décadas de 1930 y 1950, fotógrafos como Moholy-Nagy con sus “máquinas” moduladoras de luz, Barbara Morgan se aprovechó del flujo luminoso, ya sea fijo o en movimiento, para producir una expresión caligráfica.
Más recientemente en Francia, Thomas Reaume en la década de 1980 y Bernard Lanteri en la década de 1990 han realizado formas luminosas y fluidas que desafían la naturaleza fija de la imagen fotográfica.
El movimiento y la borrosidad representan otro aspecto de la abstracción en la fotografía. Esta tendencia es ilustrada por los trabajos de futuristas italianos como los hermanos Arturo y Antonin Bragaglia, el fotodinamismo y la fotografía aérea de Fedele Azari y Filippo Masoero, además del cinético de los fotógrafos alemanes Oskar Schlemmer, Peter Keetman y Otto Steinert en las décadas de 1940 y 1950. En general, estas obras encajan en una estética de la velocidad y el movimiento ligada a las expresiones de las vanguardias artísticas de la época.
Pero solo en la década de 1950 encontró expresión una estética de borrosidad, movimiento y calidad aleatoria peculiar de la fotografía. Como tal, parecía que el trabajo del estadounidense William Klein era tanto un comienzo como una gran referencia para fotógrafos contemporáneos como Gerard Dalla-Santa, Frederic Gallier, Hervé Rabot, Patrick Toth y Muller-Pohle, quienes durante la década de 1980 vio el movimiento no solo como una transcripción del brutal dinamismo del mundo urbano, sino también como una mina de forma pura, que revela las cualidades visuales y táctiles de la fotografía (por ejemplo, el grano).
La quimica en la abstracción.
Finalmente, eligiendo renunciar al aspecto óptico del medio, otro grupo de fotógrafos prefirió explorar la química física del medio. Basándose en la experimentación en el cuarto oscuro y las imágenes sin cámara, los fotógrafos exploraron las cualidades abstractas posibles en la experimentación química, lo que llevó a las formas específicas de Edmund Kesting y Chargesheimer en la década de 1940, y Stryj Piasecki o Pierre Cordier en la década de 1950. Sigmar Polke durante la década de 1970 y Riwan Tromeur durante la década de 1980 han producido una peculiar vocabulario formal alterando el mismo proceso químico fotográfico.
Artistas nombrados:
Fotógrafos: Aaron Siskind; Alexander Rodchenko; Alfred Stieglitz; Alvin Langdon Coburn; Andreas Mulas; Andreas Muller-Pohle; Andrzej Pawlowski; Antonin Bragaglia; Arturo Bragaglia; Barbara Morgan; Bernard Lanteri; Bernard Shea Horne; Bronislaw Schlabs; Chargesheimer; Charles Sheeler; Christian Schad; Clarence H. White; Edmund Kesting; Fedele Azari; Filippo Masoero; Floris Michael Neusüss; Francis Bruguière; Frederic Gallier; Georg Zimin; Gerard Dalla-Santa; Hervé Rabot; Jaromir Funke; Julien Coulommier; Kare Magnole; Kurt Wendlandt; László Moholy-Nagy; Lina Kolarova; Malcolm Arbuthnot; Man Ray; Max Weber; Oskar Schlemmer; Otto Steinert; Patrick Toth; Paul Strand; Peter Keetman; Pierre Cordier; Piet; Zwart; René Mächler; Riwan Tromeur; Sigmar Polke; Stryj Piasecki; Theodore Roszak; Thomas Eakins; Thomas Reaume; Tomy Ceballos; William Klein; Willy Zielke; Zdzisław Beksiński
Artistas plásticos: Vasily Kandinsky; Kasimir Malevich
Biografía: ETC.
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