fotógrafa estadounidense. (1883-1976).

 

Imogen Cunningham se inspiró a dedicarse a la fotografía en 1901, después de ver el trabajo de Gertrude Käsebier, aprendió el proceso de impresión con platino (platinotipia) de Edward S. Curtis y finalmente abrió un estudio de retratos en Seattle (1910).

 

Esta imagen realizada por Imogen Cunningham, publicada en Wilson’s Photographic Magazine, Volume 51, 1914 y Photographic journal of America, 1920, según Wikipedia se encuentra dentro del «Dominio Público».

 

Los trabajos de Imogen Cunningham fueron retratos y desnudos románticos desenfocados. Después de mudarse a San Francisco en 1917, adoptó el modernismo.

 

Las imágenes de Cunningham llegaron a reflejar el credo del Grupo f/64 (del cual ella fue fundadora) de que «la mayor belleza estética, el máximo poder de expresión, el verdadero valor del medio reside en su forma pura y no en sus modificaciones superficiales«.

Sus estudios de plantas de la década de 1920, cuidadosamente representadas, presentan la naturaleza con la precisión de una máquina o como una alusión sexual, estableciendo paralelos sensuales con la forma femenina que exploró a lo largo de su larga carrera.

 

Aunque la imagen es una representación fiel de una planta, la preocupación de Imogen Cunningham no era el sujeto en sí, sino lo que podría llegar a ser bajo el control del fotógrafo.

 

Trabajó como fotógrafa comercial desde 1930. Su último libro, After Ninety (1979), fue una comprensiva colección de retratos de personas mayores.

Instagram: @Imogen Cunningham Trust

Bibliografía: NEFF.

 

NdelE: Las imágenes producidas por Imogen Cunningham, salvo excepciones, se encuentran protegidas por el derecho de autor hasta julio de 2046.

 

 

La fotografía de Imogen Cunningham abarca 70 años del siglo XX durante los cuales la fotografía se convirtió en la nueva forma de ver e interpretar el mundo.

 

Como maestra fotógrafa, cuyos convincentes retratos de diversas personalidades como Herbert Hoover y Martha Graham, aparecieron en Vanity Fair y Aperture. Imogen Cunningham no estaba interesada en desarrollar una filosofía o teoría de la fotografía, sino que era una artista extremadamente talentosa e innovadora que se esforzaba por buscar para la realidad a través de su lente.

Su implicación con su arte se refleja en su prolífico portafolio, que muestra su importante papel en la historia de la fotografía del siglo XX.

Imogen Cunningham nació el 12 de abril de 1883 en Portland, Oregón. Durante su juventud, sus padres fomentaron su talento artístico pagándole lecciones de arte de verano.

 

Sus intereses se centraron en la fotografía y comenzó a experimentar mientras estudiaba química en la Universidad de Washington en Seattle en 1903. Aunque no existía un departamento de fotografía oficial, aprendió química como base para seguir estudiando la fotografía.

 

En 1905, comenzó a experimentar con una cámara de formato de 4×5 pulgadas que encargó a una escuela de venta por correspondencia. Hizo sus primeros retratos en 1906, uno de los cuales fue su propio cuerpo desnudo en un terreno del campus universitario, «Autorretrato» (1906).

Para costear sus gastos trabajó como secretaria y realizó diapositivas para botánicos. Su padre continuó animándola y le construyó un cuarto oscuro en una leñera en la que la única luz era una vela dentro de una caja roja.

 

Imogen Cunningham se graduó en 1907 con especialización en química; su tesis se tituló «El desarrollo científico de la fotografía».

 

Luego trabajó durante dos años para Edward S. Curtis, conocido por su estudio fotográfico «The North American Indian»; de él aprendió técnicas de impresión en platino y cómo retocar negativos.

 

 

Acontecimientos que la acercaron a la fotografía.

 

Dos acontecimientos que la llevaron a centrarse en la fotografía como carrera ocurrieron entre 1907 y 1910. El primero fue un artículo que leyó en abril de 1907 sobre el trabajo de la fotógrafa neoyorquina Gertrude Käsebier en una revista llamada The Craftsman. Los estudios de Käsebier sobre la madre y el niño conmovieron profundamente a Cunningham, y el argumento del artículo de que la fotografía podía capturar un momento emocional, que era más que un simple proceso químico científico, afectó intensamente al joven artista.

El segundo evento fue un viaje que hizo a Dresde en el otoño de 1909 después de recibir una beca de su hermandad universitaria. En Alemania, estudió con el fotoquímico Robert Luther en la Technische Hochschule y asistió a la Exposición Fotográfica Internacional, donde tuvo la primera oportunidad de ver algunas de las mejores obras de arte fotográfico europeo y americano de la época.

Aunque tomó pocas fotografías en sus viajes, se inspiró en los grandes museos de Europa y en los artistas con los que entró en contacto en París y Londres. Después de una escala en Nueva York, regresó a Seattle en septiembre de 1910, abrió un estudio de retratos y comenzó a exhibir su trabajo, que a menudo consistía en retratos de amigos cercanos.

 

 

Convicciones arriesgadas para su época.

 

Como fotógrafa, Cunningham tomó algunos riesgos al principio de su carrera fotográfica. Un riesgo era su ávido interés por la fotografía de desnudos en una época en Estados Unidos que todavía padecía el conservadurismo de la época victoriana.

En apoyo de la idea de la mujer moderna e independiente, también publicó un artículo titulado «La fotografía como profesión para mujeres» en la revista de su hermandad The Arrow en 1913 en el que instaba a las mujeres a desarrollar su propio estilo en la fotografía y otras profesiones en lugar de limitarse a intentar copiar lo que hacían los hombres. Esta convicción, arriesgada para su época, la mantuvo durante toda su vida.

 

 

Influencias.

 

Una de las influencias más notables en su trabajo durante este período de formación temprana fue el arte que vio en el periódico de vanguardia Camera Work publicado por Alfred Stieglitz. En esta publicación trimestral, conoció a muchos de los nuevos fotógrafos jóvenes y experimentales que Cunningham más tarde llegaría a conocer personalmente.

Aunque Stieglitz dejó de publicar Camera Work en 1917 y ella misma nunca apareció en la revista, el tipo de trabajo fotográfico ilustrado (los inicios del estilo limpio y moderno) influyó en su trabajo a lo largo de las décadas de 1920 y 1930.

Además de Camera Work, Vanity Fair también llamó su atención durante su adolescencia con sus progresivos estudios de desnudos y sus páginas que retrataban la cultura de vanguardia.

 

En 1914, realizó su primera exposición individual en el Instituto de Artes y Ciencias de Brooklyn.

 

En febrero del año siguiente, se casó con el grabador de Seattle Roi Partridge, con quien había mantenido correspondencia por carta durante dos años mientras él estaba en Europa estudiando arte.

Cuando la guerra lo obligó a regresar a Estados Unidos, se convirtió en el esposo y modelo de Cunningham. Su primer hijo, Gryffyd, nació en diciembre de ese mismo año. Al año siguiente, publicó lo que entonces se consideraba una fotografía atrevida de desnudo de su marido en la edición navideña del periódico The Town Crier de Seattle.

La familia se mudó a San Francisco en 1917, donde Cunningham dio a luz a sus hijos gemelos Rondal y Padraic; Pasó los siguientes años con sus tres hijos pequeños, limitándose a fotografiar a amigos cercanos, familiares y las plantas de su jardín, que sería un punto focal de su trabajo experimental a lo largo de la década de 1920.

 

Regresó al retrato comercial en 1921 después de que su familia se mudó a Oakland y su esposo tomó un puesto de profesor en Mills College.

 

Durante estos años, ella y Partridge pasaron a formar parte de un grupo de artistas que incluía a Edward Weston, Dorothea Lange y Anne Brigman.

Cunningham amplió su horizonte artístico hacia el experimentalismo de vanguardia; y, como muchos otros artistas jóvenes, estuvo muy influenciada por publicaciones como la edición de octubre de 1922 de Vanity Fair, que incluía el retrato de Man Ray de la Marchesa Casati. Esta doble exposición influyó en los retratos de Cunningham y centró su atención en detalles más abstractos evidentes en fotografías como Two Callas (1929). También le afectó el famoso cuadro dadaísta de Marcel Duchamp «Desnudo bajando una escalera Nº2«.

A finales de la década de 1920, sus obras se realizaban habitualmente en doble exposición y experimentó con diferentes técnicas, utilizando plantas y retratos como temas. También continuó sus estudios del desnudo, utilizando a menudo como modelos a su marido Partridge y a sus tres hijos.

El final de la década estuvo marcado por una exposición local en el Museo de Arte de Berkeley, en la que mostró obras de su serie de plantas y, más importante, por su participación en la exposición fundamental Film und Foto en Stuttgart, Alemania, en la que mostró 10 copias de lo que se han convertido en algunas de sus fotografías más conocidas, incluidos estudios de agave carnoso y puntiagudo, plantas de aloe y alcatraces.

 

En las décadas de 1930 y 1940, Cunningham se alejó de los estudios de plantas en primer plano y claramente enfocados y del experimentalismo de vanguardia de los años 20 hacia retratos de celebridades y luego fotografía callejera.

 

En 1931 expuso en el M.H. de Young Memorial Museum, y después de que se publicaran dos fotografías de la bailarina Martha Graham en la edición de diciembre de 1931 de Vanity Fair, los editores le pidieron que tomara tareas para fotografiar a personalidades, incluidos los actores Spencer Tracy, Cary Grant, Joan Blondell y James Cagney, y del Presidente Herbert Hoover.

Se divorció de Partridge en 1934 y se mudó a Nueva York por un corto tiempo para fotografiar más para Vanity Fair, incluidas fotografías de la madre del presidente Franklin Delano Roosevelt, la Sra. James Roosevelt, pero pronto regresó a California para estar más cerca de sus hijos.

Continuó con sus retratos, que incluían personalidades tan variadas como la escritora Gertrude Stein, la pintora mexicana Frida Kahlo y el escritor Upton Sinclair, que entonces buscaba la gobernación de California.

 

 

El Grupo f/64.

 

Se unió al Grupo f/64, organizado por Willard Van Dyke en 1932 y que incluía a Edward Weston y Ansel Adams como miembros. Este grupo era una reunión muy informal de miembros interesados ​​principalmente en el realismo y la verdad en su trabajo.

Este objetivo se refleja en el nombre Grupo f/64, que representa el ajuste de apertura en una cámara que produce tanto la mayor profundidad como el enfoque más nítido.

A finales de la década de 1930, comenzó lo que se convertiría en un enfoque posterior en la fotografía callejera (Street Photography) a medida que su trabajo pasó a centrarse más en las circunstancias sociales de los Estados Unidos a mediados de siglo y los conflictos civiles de los años de la posguerra en las zonas urbanas y rurales. centros.

Cunningham abrió su propio estudio en Green Street en San Francisco en 1947, y durante los siguientes 13 años su trabajo se exhibió en todo Estados Unidos mientras continuaba tomando fotografías callejeras cuando no la contrataban para tomar retratos.

 

 

Amistad con Lisette Model.

 

En estos años de posguerra comenzó a dar clases de forma intermitente en la Escuela de Bellas Artes de California (San Francisco Art Institute). En ese momento, se hizo amiga de Lisette Model, una fotógrafa de Harper’s Bazaar, quien influyó mucho en su retrato.

Juntas, las dos mujeres buscaron imágenes radicales e inusuales en las callejuelas de San Francisco. A diferencia de las fotografías a menudo implacables y crudas de Model, las imágenes de Cunningham revelan un respeto mutuo entre ella y sus sujetos, a menudo personas sin hogar o oprimidos que habitaban los barrios más sórdidos de San Francisco.

 

 

Década de 1960.

 

En la década de 1960, Cunningham dirigía una galería de retratos, impartía clases de retratos y fotografiaba a la generación beat y a los niños de las flores en el área de la Bahía.

En su obra de esta época, Cunningham no sólo revela la vida cotidiana de esta contracultura, sino que también considera el papel de las relaciones interraciales en la época de la segregación, como lo demuestra una fotografía de una pareja en un café de San Francisco en Coffee Gallery, San Francisco (1960). Este mismo año, fue reconocida por el Museo Internacional de Fotografía y Cine en la Casa George Eastman en Rochester, Nueva York, que compró una colección de su obra. Usó el dinero para viajar y fotografiar en Europa occidental y oriental.

En 1964, Minor White dedicó un número completo de invierno de Aperture a su trabajo y reprodujo 44 imágenes de sus primeros trabajos y varios retratos nuevos. Fue elegida miembro de la Academia Nacional de Artes y Ciencias en 1967 y, cerca del final de la década, el Colegio de Artes y Oficios de California en Oakland le otorgó el título de Doctor honoris causa en Bellas Artes.

 

 

Últimos años.

 

En 1973, Cunningham cumplió 90 años y estos últimos años parecieron haber sido los más ocupados de su vida. Recibió una beca Guggenheim para reimprimir sus primeros negativos en placas de vidrio, realizó una importante exposición en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y fue declarada Artista del Año por la Comisión de Arte de San Francisco. Durante el último año de su vida (1976), apareció como invitada en el Tonight Show de Johnny Carson y CBS produjo un documental que celebraba su trabajo y su vida.

Aunque se convirtió en una celebridad, siguió trabajando, y su último y quizás más intrigante proyecto fue una serie de trabajos llamados After Ninety, que era un estudio de las vidas de los nonagenarios.

Para este proyecto sobre la vejez, volvió a fotografiar a personas de su propio pasado, incluidos su exmarido, Roi Partridge, y del fotógrafo Ansel Adams.

Los retratos más conmovedores de esta última serie son sus retratos íntimos de mujeres como Irene »Bobbie» Libarry 3 (1976) —un desnudo de una ex carnavalera cuyo cuerpo entero había sido tatuado— y estudios melancólicos de los habitantes en convalecencia en hogares y conventos, como la mujer pensativa representada en Woman in Convalescent Center, Berkeley (1975).

Cunningham murió el 23 de junio de 1976 a la edad de 96 años en San Francisco mientras aún trabajaba en este proyecto final.

 

Bibliografía: NCP.

 

 

Exposiciones individuales.

 

• 1912 Imogen Cunningham; Brooklyn Institute of Arts and Sciences; New York.
• 1932 Imogen Cunningham; Los Angeles County Museum; Los Angeles, California.
• 1935 Imogen Cunningham; Dallas Art Museum; Dallas, Texas 1936 Imogen Cunningham; E.B. Crocker Art Gallery; Sacramento, California.
• 1951 Imogen Cunningham; San Francisco Museum of Art; San Francisco, California.
• 1953 Imogen Cunningham; Mills College; Oakland, California 1956 Imogen Cunningham; Cincinnati Museum of Art; Cincinnati, Ohio; Limelight Gallery; New York.
• 1957 Imogen Cunningham; Oakland Art Museum; Oakland, California.

• 1959 Imogen Cunningham; Oakland Public Museum; Oakland, California.

• 1961 Imogen Cunningham; George Eastman House; Rochester, New York.

• 1964 Imogen Cunningham; San Francisco Museum of Art; San Francisco, California.
• 1965 Imogen Cunningham; Henry Gallery, University of Washington; Seattle, Washington.
• 1967 Imogen Cunningham; Stanford Art Gallery, Stanford University; Palo Alto, California.
• 1968 Imogen Cunningham; California College of Arts and Crafts Gallery; Oakland, California North Beach and the Haight-Ashbury; from Rolling Renaissance Group Show; Focus Gallery; San Francisco, California.
• 1969 Women, Cameras, and Images I; Hall of Photography, Museum of History and Technology, Smithsonian Institution; Washington, D.C.
• 1970 Imogen Cunningham; M.H. de Young Memorial Museum; San Francisco, California; Seattle Art Museum; Seattle, Washington.
• 1971 Imogen Cunningham; Friends of Photography Gallery; Carmel, California The San Francisco Art Institute; San Francisco, California.
• 1973 Metropolitan Museum of Art, New York.
• 1983 A Centennial Selection, California Academy of Arts and Sciences; San Francisco and traveling.

 

 

Exposiciones colectivas seleccionadas.

 

• 1929 Film und Foto; Deutscher Werkbund; Stuttgart, Germany.

• 1932 Group f/64; M.H. de Young Memorial Museum; San Francisco, California.

• 1937 Photography 1839–1937; Museum of Modern Art; New York.

• 1940 A Pageant of Photography; Golden Gate International Exposition; San Francisco, California.
• 1954 Perceptions; San Francisco Museum of Art; San Francisco, California.
• 1955 San Francisco Weekend; Bay Area Photographers Show; San Francisco, California.
• 1959 Photography at Mid-Century; George Eastman House, Rochester; New York.

• 1960 The Photograph as Poetry; Pasadena Art Museum; Pasadena, California.

• 1970 Platinum Prints; Friends of Photography Gallery; Carmel, California.
• 1972 The Multiple Image; Massachusetts Institute of Technology; Cambridge.
• 1973 Images of Imogen: 1903-1973; Focus Gallery; San Francisco.

 

 

Trabajos seleccionados.

 

• Self-Portrait, 1906.
• Family on the Beach, 1910 Twins by the Window, 1919 Two Callas, 1929.
• Nude, 1932.
• Herbert Hoover with His Dog, 1935.
• Alfred Stieglitz, Photographer, at His Desk, 1934.
• Theodore Roethke, Poet, 1959.
• Theodore Roethke, Poet, 1959.
• Coffee Gallery, San Francisco, 1960.
• A Man Ray Version of Man Ray, 1961.
• Irene ‘‘Bobbie’’ Libarry 3, 1976.

 

Véase también: Pictorialismo.

 

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